Veranstaltungsplan - Théâtre Sorano

Qui écrit les histoires ? Pourquoi tant de femmes en sont-elles absentes ?
Nous sommes des filles sans histoire interroge les récits qui façonnent notre
imaginaire collectif. Sur scène, deux comédiennes, en français et en langue
des signes, s’emparent des histoires dominantes pour mieux les déconstruire,
avec humour, énergie et finesse. Entre jeu, analyse et complicité, elles ouvrent
un espace sensible et critique, invitant le public à questionner les représentations et à réinventer les récits. Un spectacle vivant, sensible et profondément engagé.

Si nous affichons complet, il reste des places du côté du Festival Sign'O

Rita arrive en Belgique de Yaoundé. Femme d’affaires accomplie au Cameroun,
elle devient en Europe la cible d’un homme blanc violent et voit toute sa vie
se dégrader lentement. Un jour, son fils, un enfant noir de neuf ans, se
retrouve plaqué au sol par la police après un mouvement de colère face au
racisme qu’il subit. Portrait de Rita est issu de la rencontre de Laurène Marx
avec Rita Nkat Bayang et la performeuse belge Bwanga Pilipili. Après des
entretiens réalisés par les deux artistes avec Rita, la pièce naît de ces trois
regards : celui de Rita Nkat Bayang, qui fait face au racisme systémique,
celui de Bwanga Pilipili, qui vit cette même violence et en analyse avec
précision les mécanismes, et celui de Laurène Marx, autrice trans blanche,
qui mêle expériences de la blanchité et de la fétichisation et de la déshumanisation.

Dans un futur plus ou moins proche, deux amis de longue date ont loué une salle de Mif-Müf, un sport nordique très en vogue, pour une heure. Au fil de la partie, ils vont se dire des vérités jamais énoncées, comme seuls les amis savent se blesser l'un l'autre, en toute bonne foi. Dans ce huis-clos dystopique arbitré par Annick, une IA invasive, les dynamiques de la discorde s’étalent : mauvaise foi, rancœur, insultes, coups bas, violence physique... L’émotion balaye progressivement la réflexion sur un mode tragi-comique. Pas de souci est un conflit grandissant, une escalade, un engrenage, où les égos s'empoignent jusqu'au grotesque, dans une danse absurde de bêtes humaines en crise.

Cerebrum Kids s’intéresse à la fabrication des imaginaires futuristes des enfants à partir de 8 ans. C’est un spectacle qui interroge leur rapport à l’image et cherche à mieux comprendre l’impact qu’ont sur eux la démultiplication des écrans, les fake news et autres récits catastrophes. Ce spectacle interactif invite les enfants à s’intéresser à ce qui se passe dans leur tête au travers d’illusions perceptives qui ponctuent un récit de la « mimésis ». 

Comment un cerveau donne-t-il vie à une image, à une marionnette, à une machine, à un algorithme ? Pourquoi peut-on dire que notre cerveau est nous et en même temps, un organe autonome avec ses biais ? D’où lui vient cette aptitude à nous projeter dans chaque objet qui imite un tant soit peu certaines de nos aptitudes (langage, apprentissage, mouvement...) ?

C’est presque Noël. Sur un parking de supermarché, au milieu des poubelles, deux hommes, le narrateur et Pierre, son acolyte accordéoniste, préparent un petit spectacle. Ils attendent les cars des pèlerins qui, peut-être, ne viendront jamais. Autour d’eux, les silhouettes des invisibilisé.es, celles et ceux qu’on ne regarde plus. En toile de fond, un fantôme inattendu : François d’Assise. Et si celui-ci était né en 1982 ? Qui sont les exclus du monde qu’il aurait rencontrés sur sa route ?

Après Laïka et Pueblo, Rumba est le dernier volet de la « trilogie des pauvres diables » d’Ascanio Celestini, où se mêlent satire, tendresse et poésie brute. Porté par la musique live de Philippe Orivel, David Murgia, cofondateur du Raoul Collectif, fait résonner une parole brûlante. Avec Rumba ils concluent leur exploration des périphéries par une ode à la mémoire des oubliés de notre société.

Dans un petit village du Sud-Ouest de la France naît un enfant au nom de Ix, à l’identité incertaine et mouvante. Comme un album de musique pop à 17 pistes, cette performance retrace son existence à travers 17 fragments aux formes d’écriture radicalement différentes. De la naissance à l’âge adulte, s’explorent les différentes strates de violences qui jalonnent l’existence d’un enfant queer, et finalement le constituent. Par la fiction, mais aussi par le décalage, le comique, le show, le monstrueux et l’art du drag, Marcos Caramés-Blanco et Sacha Starck recherchent un élan poétique pour s’affranchir des normes.

Un homme se perd dans une caverne où cohabitent monstres et humains. Il s’adonne avec eux à des rites carnavalesques questionnant leur corps, leur identité et leur place, en quête d’un nouveau printemps. Mais si cet endroit est un refuge, il est aussi un labyrinthe de la psyché dont il semble impossible de sortir. Enfermé.e.s entre deux mondes, nos héroïnes et héros tentent de s’échapper de cette marge et de revenir à la vie. Par le dénuement, par le rire, par la tentative gracieuse et ratée de représentation de la beauté du monde, ce petit groupe prépare une évasion. Jean Balcon invente une fable baroque et poétique, une rêverie sur celles et ceux qui côtoient la marge.

C’est une société où le lien social a disparu et a plongé les gens dans une très grande solitude. Des salles de quartier sont mises à disposition pour sortir ces personnes de l’isolement. Le dispositif TUCS – Tous Unis Contre la Solitude, ne va pas plus loin que cela : chacun·e est invité·e à venir de soi-même et aucun encadrement extérieur n’est prévu. Dans cette histoire, iels sont cinq à pousser la porte de la salle du 7 rue des Alouettes. Et dans une auto-gestion totale de ce temps d’échange, iels apprennent à se connaître, créant alors un collectif et des amitiés complexes. Elodie Guibert nous invite à questionner toutes les solitudes, celles que l’on connaît ou que l’on imagine. Elle met en lumière la fragilité des rencontres et le vertige que l’on vit lorsqu’on est prêt·e à s’ouvrir à l’autre.

Son père lui avait toujours dit que pour changer les choses il fallait entrer dans le château.

À présent qu'il y était entré , il était de son devoir d'en récupérer les clés et d'ouvrir la voix/e pour celles et ceux qui suivraient.

Il serait le fer de lance d'un grand mouvement. Il vengerait la race de son père et de toutes celles et ceux tombé.e.s avant lui.

Alors ,

Il devint le bouffon du roi.

Dans un salon qui s’avère être un décor de tournage, Mum, Dad et leurs filles Phoeb et Ruby, s’exhibent face public. Obsédé·es par leur image, elles et ils performent quotidiennement la famille idéale sur leur chaine devenue une entreprise lucrative : déballages de cadeaux, placements de produits, gestes calibrés pour la caméra. Jusqu’au jour où une créature ingrate et apathique fait irruption dans leur quotidien et en fait vaciller l’image parfaite, creusant peu à peu le vide.

Histoire d'amour tragique, menace d'un bouleversement universel, Orchestre des Enfers... Un mythe puissant, profondément humain, traversé par une troupe de neuf interprètes à l'énergie contagieuse.

Après avoir fait danser la France au rythme de la danse de la chenille avec Kermesse, le collectif La Cabale vous propose enfin un peu de repos dans une époque harassante. Bienvenue au Musée d’art contemporain, derniers refuges pour cerveaux épuisés. L’exposition propose de s’enforester. Ici, on se tait et on écoute les OISEAUX. Six minutes de leurs chants suffisent à faire baisser notre taux de cortisol  ; pas de bol, notre temps d’attention vient de descendre sous les neuf secondes…
Nos conversations virent aux champs de bataille, la guerre est redevenue à la mode et tout le monde a un TDAH. Le collectif La Cabale signe une comédie absurde et corrosive sur une humanité incapable de s’arrêter, et sur cette tentative dérisoire, presque ridicule, presque héroïque : faire silence. Juste assez longtemps pour écouter les oiseaux

En 2058, à la Sorbonne, une psycho-historienne renommée, Francesca Corrini, convoque un patient pas comme les autres : E. Macron, 79 ans, quatre fois président de la République… et toujours candidat.
Son symptôme ? Un désir irrépressible de revenir au pouvoir. Encore.
Le protocole est simple : une séance unique, publique, radicale, pour le guérir en 1h20. 
À travers souvenirs rejoués, plongées dans l’inconscient, madeleines hallucinées et visions politiques délirantes, l’analyste et son patient remontent le fil d’une obsession — jusqu’à faire surgir une question plus vaste : Pourquoi, malgré tout, l’a-t-on toujours réélu ?
Entre psychanalyse sauvage, science-fiction politique et farce tragique,
La Thérapie d’Emmanuel Macron dissèque une relation toxique : celle d’un homme et d’un pays incapables de se quitter.
Un face-à-face drôle, cruel, vertigineux — où l’on rit beaucoup, et où quelque chose, doucement, commence à faire mal.
Et si le problème, ce n’était pas seulement lui ?

Nelvar - le Royaume sans peuple est une quête d’heroic fantasy qui questionne le mythe du vivre-ensemble. C'est le pari fou de raconter un conflit entre des Orcs, des Elfes, des Trolls et des Mages dans un monde imaginaire, et ainsi nous permettre de nous interroger sur nos difficultés à faire société, sur nos différences et sur les rapports de dominations qui régissent notre monde à nous. Une sorte de Fantasy sociale au théâtre, une première ! 

Que va-t-il se passer en France durant les 50 prochaines années ? J’attends peu, j’aspire à beaucoup suit le parcours d’Arthur Cagniot-Duchêne, de ses 10 à 60 ans, à travers les évolutions politiques du pays entre 2027 et 2077. Comment finira la Ve République ? Et la VIe ? La VIIe durera-t-elle plus longtemps ? À quoi pourrait ressembler une loi d’égalité affective et sexuelle ? Quelle agriculture imaginer sur une planète à bout de souffle ? Devant le cortège de nos incertitudes, ce spectacle de science-politique-fiction se propose de regarder nos peurs en face, d’envisager le pire comme le meilleur, et de labourer le champ des possibles pour rompre avec la passivité ambiante.

Frustré de ne pouvoir jouer Shakespeare in English pour un public français, Alistair relève le défi de les guider à travers Macbeth et toutes les nuances de l’anglais, au prix d’une interprétation épique au rythme du pentamètre iambique.

Un spectacle techniquement autonome, adaptable à tous types de lieux, avec des activités pédagogiques possibles.

Médusa, créature mythique et cabarétique, enrage – serpents sifflants sur sa tête, morsures brillantes sur son corps, regard pétrifiant. Du fond de sa grotte, elle démêle ses cheveux grouillants, délie les langues et demande Justice – Athéna, tu es là ? Cette histoire, c’est aussi celle d’un amour ; l’amour de soi, celui des autres – l’amour à transformer, à retrouver. Quand les mots lui manquent, elle chante avec ses sœurs-gorgones – chansons sorties de sa chambre d’adolescente ou de sa grotte reculée. Face à nous, Médusa et ses sœurs nomment tout - les rêves romantiques, les viols, les combats, les métamorphoses – et inventent de nouveaux chemins de réparation.

Parfois le suicide ça a l'air franchement cool. Mais avant d'y mettre un terme on a envie de savoir c'est quoi la vie. C'est quoi exister dans un corps dysfonctionnel ? C'est quoi les merveilles des cellules, des virus et des hiboux ? Comment ça fonctionne ?
Dans cette création, nous allons explorer les frontières entre le vivant et le non-vivant afin de comprendre le mystérieux mystère de la vie. À quelles expériences instables assisterons-nous à bord du merveilleux vaisseau de l'imagination ? Des plantes prenant le contrôle d'armes blanches ? Des aspirateurs robots faisant du ouija ? De la musique générée par le vol des oiseaux ? Abandonnons avec joie et contemplons l'abime pour lui répondre.

Alors qu’elle est invitée à danser lors des funérailles de son oncle Bob, Solène Weinachter s’interroge : que feront ou diront ses proches lors de ses propres obsèques ? Quelle musique y jouera-t-on ? Que se passera-t-il, à la fin ? Forte de ces réflexions, la chorégraphe décide de dédier à la mort un solo. AFTER ALL mêle danse, théâtre, conte et comédie aussi, pour creuser ce sujet si commun et pourtant si tabou. Alors que Solène Weinachter passe en revue des cérémonies et rituels de deuil, parfois en racontant ce qui pourrait s’apparenter à des détails – tels de nouveaux cercueils en champignons –, elle fabrique un espace-temps accueillant pour faire face à la perte et penser, ensemble, la finitude inéluctable de nos existences.

L’art brut et profond du performeur Olivier de Sagazan dépasse les mots pour toucher à l’universel, entre virtuosité, mystique et animalité. Dans Transfiguration, sa pièce emblématique qu’il tourne dans le monde entier depuis 1998, il évoque l’incapacité d’un artiste à donner vie à son œuvre. Dans un geste désespéré, il se couvre de peinture d’argile pour devenir sculpture vivante. Se construisant par couches successives un autre visage, il se transforme devant nous. À la fois troublante et profondément émouvante, cette performance plastique renverse de façon spectaculaire l’existence d’un personnage, au départ employé de bureau sans histoire, qui devient un homme bestial en quête éperdue de sa vraie nature. Transfiguration ou l’art absolu de la métamorphose.

Lear est une histoire d’identité, donc de théâtre-monde et d’humanité profonde. C’est la plus réelle part de la condition humaine mise en dérision par la lucidité du personnage du Fou qui pour sa fidélité à Lear finira pendu. L’histoire se passant dans un monde ni chrétien ni païen, mais où toutes les croyances empiriques ne font cas ni de la morale ni de l’éthique, encore moins du bon sens, met le monde sous le règne de l’hystérie, de la folie et du sang. Espièglerie, calomnie et félonie sont encore de piètres théâtralités à côté du marasme déroutant que draine ce monde. Un monde qui par mégarde n’a pas vieilli, il demeure toujours en quête de sa maturité, en route, espérons-le, vers son humanité.

L’émotion à vif du journal intime, l’humour acéré du stand-up, la vitalité d’une comédie musicale… Mêlant avec brio et délicatesse les registres, la comédienne et parolière effeuille et fouille les épreuves de l’existence, des affres de l’école au fracas des secrets de famille. Au fil d’une vie épargnée par les drames, elle est toujours au bord de vivre, au bord de mourir, au bord de jouir. Jusqu’au jour du réveil, où il faut vivre. À travers son parcours joyeux et combatif, la performeuse nous embarque dans un solo ébouriffant !

Un homme sur scène épaulé par divers membres de sa famille, ses camarades de classe, son psy, ses exs, ses futur(e)s, des collègues, des élèves, offre le fruit de sa réflexion. Le condensé d’une existence en sept tableaux et à peu près le double d’anecdotes fondatrices, convoquées pour interroger le vertige d’un genre et tout ce qu’il implique d’impératifs. L’auteur s’est un peu emballé avec cette grosse phrase, la suite sera plus simple. Promis. De l’enfance à l’âge adulte, de l’oppression à l’émancipation, de la virilité abusive à une masculinité singulière. Le Premier Sexe est un parcours. Et un partage.

Retrouvez toutes les informations sur notre site internet pour participer ! Ouvert aux 16-25 ans !

Ce spectacle est à la fois, et en même temps.

A la fois un one-man-show. En même temps un concert.

J’y chante des chansons inspirées de mon précédent spectacle (et écrites par Jeanne Cherhal, Vincent Delerm, Pierre Lapointe, Alex Beaupain…) et je raconte des choses rigolotes.

Il est à mi chemin entre la Beauté et la bêtise, entre la Vie et la mort, entre la poire et le fromage. C’est un spectacle entre chien et loup, une soirée terre-mer, aigre douce, sucrée-salée, un soir entre plateau repas au coin du feu et rave-party dans les champs, entre Doliprane et Mdma. Un spectacle mi-Boule mi-Bill.

(Je me rends bien compte que je me suis égaré au fil de cette métaphore, mais ce spectacle est comme moi, et il est comme vous : difficile à résumer)

Peut-Être le Hasard raconte le parcours de Marie-Pierre, 50 ans, professeure de philosophie, atteinte précocement de la maladie d’Alzheimer et de sa fille, jeune aidante, vouée corps à et âme à son accompagnement vers une fin de vie digne. Animé par la passion de la mère pour la chanson et le cinéma - et notamment pour sa fascination pour le petit âne d’Au hasard Balthazar de Robert Bresson - le spectacle constitue ainsi un vibrant plaidoyer pour la force des souvenirs qui nous relient au présent et la place prégnante à (re)donner aux êtres vulnérables et au soin dans notre société de la vélocité.  

Porté de façon chorale et musicale par trois interprètes - dont une pianiste - Peut-Être Le Hasard se déploie de façon épurée, non sans humour et tendresse, au fil du texte et de l’émotion.

Pièce inclassable, hantée par la question de l’injustice (divine comme terrestre) et la répression du désir, Mesure pour mesure tient à la fois de la comédie cruelle et de la dystopie politique. Adaptée pour 4 acteur·rices qui interprètent une dizaine de personnages, le Mesure pour mesure de Lucile Lacaze est une version resserrée de la pièce de Shakespeare, l’épure permettant d’intensifier encore toute l’escalade dramatique. L’histoire, construite comme un thriller, manipule les spectateur·rices de rebondissement en rebondissement jusqu’au coup de théâtre final.