SPECTACLE
A l'occasion d'un temps fort "Molière à Toulouse", revoilà sur notre plateau la troupe éphémère constituée à l'occasion de la transmission des Molières de Vitez par Gwanael Morin, programmé l'année dernière. 11 jeunes acteurs, sans costume ni décor, mais avec des baskets, un tambour et des chaises en plastique. Ce n'est pas le réalisme qui compte mais la fraîcheur, la rapidité, l'énergie et surtout le plaisir de jouer. On redécouvre un Molière résolument vivant. Assurément, ce Tartuffe-là est bien celui de tout le monde !
Le 22 septembre 2017, Manu Galure partira, son piano sur le dos pour un tour de France à pied ! Il jouera dans des salles de spectacles bien sur, mais aussi dans des écoles, des bistrots, et sous les toits des gens qui voudront bien l'abriter pour une nuit. Mais avant, c'est la scène du Théâtre Sorano qu'il a choisie pour un concert de grand départ plein de surprises. Venez fêter l'événement et écouter ce baladin de grands chemins, troubadour qui sait l'art d'écrire des histoires lourdes de sens d'une plume légère. Il y en aura pour la tête et les jambes !
Il était une fois, aujourd'hui dans une grande ville, trois petites chambres de bonne habitées par trois personnes dont le destin serait de tout rater. Deux hommes et une femme qui ont l'art de se prendre les pieds dans les tapis de l'existence, de se recevoir les portes de l'amour en pleine figure et qui se vautrent tellement lamentablement que c'en est brillant ! Dans un univers proche des Deschiens ou de Buster Keaton, Pierre Guillois nous donne à voir une fresque citadine sensible, déjantée et hilarante qui raconte par l'absurde, la fragile beauté de nos profondes solitudes.
Bruno Geslin nous invite à plonger dans l'univers coloré et généreux de Derek Jarman, artiste anglais hors-norme des années 70, à la fois peintre, plasticien, jardinier, cinéaste, metteur en scène... Chroma est une tentative unique d'autobiographie par la couleur, quand la maladie attaque directement la rétine de l'écrivain et le plonge chaque jour dans la cécité. Chroma est une célébrations de la vie au moment où la nuit approche. Des allers-retours permanents entre ses souvenirs d'enfance et de sa jeunesse, ses premières sensations, ses expériences de cinéaste et son journal d'hospitalisation. Un spectacle total, à la fois visuel et sonore, physique et plastique.
Dans un drôle d'univers qui emprunte autant aux films post-apocalyptiques qu'à Beckett, trois hommes dégringolés (Moïse Bernier, clown révolté et acrobate accompagné de deux musiciens) cherchent à s'échapper de l'incessant brouhaha du monde et s'échinent à construire une oeuvre collective. De situations cocasses en jeux burlesques, ils bricolent une partion tragi-ludique où tous les moyens sont légitimes pour résister et s'élever. Une création puissante, cernée de bruit et de fureur qui mêle performances physiques, questions existentiellles et poésie envoutante.
Un cri d'amour à la vie et à ses écarts.
Deux soeurs, Ygraine et Bellangère, vivent sur une île avec leur vieux serviteur Aglovale. Le retour de Tintagiles, le petit frère, rallume leur espoir. Dans la tour du château habite la tyrannique et invisible reine dévoreuse d'âmes.... Parviendra t-elle à éliminer le jeune héritier que ses deux grandes soeuvres vont courageusement tenter de protéger?
Nourri par le désir d'un théâtre total dans lequel le spectateur est plongé dans une expérience, le metteur en scène Yoann Bret trouve ici une belle matière poétique pour poursuivre son exploration de la thématique de l'enfance sacrifiée. Imaginée comme une cérémonie ritualisée, La mort de Tintagiles boulverse la frontière entre la vie et la mort et devient lieu de la renaissance symbolique.
Dans l'atmosphère enfumée d'un studio de radio très années 70, les chroniqueurs s'installent derrière leurs micros. Sauf que ce jour-là, la direction a annoncé la suppression de l'emission. Face à ce qu'ils vivent comme une insupportable censure, la cohésion et l'idéal du groupe et à travers lui le langage et les idées, sont mis à rude épreuve. Restent aux journalistes leur liberté de ton et la mise en mouvement d'une pensée chorale pour résister coûte que coûte. Pour son deuxième spectacle créé au festival d'Avignon 2016, le collectif belge démonte, avec un humour ravageur, les idées reçues et convainc qu'ils existe toujours une alternative pour penser autrement.
Un appartement avec dedans, un couple qui se débat pour se sentir vivant. Pour tromper l'ennui, ils invitent un autre couple, des voisins. Mais c'est tout l'immeuble qui vient. C'est-à-dire nous, assis là, témoins de cette violence si maligne qu'elle ne s'immisce que dans l'intime, précisement là où jaillissent nos monstruosités ordinaires. Chacun déverse son fiel, fait le show, chante faux et sourit forcé aux convives, engagés fatalement dans un conflit affectif. Lorraine de Sagazan réécrit, flanque d'improvisations le texte acéré de Lars Norén et convie le spectateur en son coeur, en face à face. Au centre, sur le fil de l'instant et de l'interaction, les deux acteurs exultent et nous avec. Car c'est atroce mais jouissif.
François vit avec Esther et rencontre Olivia. Il y a aussi Mathilde, son amour d’avant. Et Gilles, meilleur ami et confident. C’est là le motif inlassable de nos amours désaccordées. Mais ceux-là refusent tout schéma. Des serments ? Ils ne s’en font pas. Ou alors, s’ils s’en font un, c’est celui de tout se dire. Julie Duclos signe ici un scénario s’inspirant librement du chef-d’œuvre de Jean Eustache, La Maman et la Putain, réalisé en 1973. Une époque, des utopies, privées et publiques. Face à des comédiens d’une présence et d’un naturel confondants, on est happé par le charme irrésistible de cette immersion théâtrale et cinématographique.
R est une agence. R met à votre service des comédiens pour vous consoler de l'absence de vos proches, et être, un moment, celui ou celle qui vous manque. Mettez en scène votre douleur mieux la vaincre, R vous fournira le meilleur casting. Le collectif d'acteurs Moebius sous la direction de Sophie Lequenne et accompagnés par l'auteure Marion Pellissier écrivent une fable ludique et inquiétante sur le manque, la désincarnation de l'invividu, les faux-semblants. R joue de la frontière ténue qu'il y a entre le rire et les larmes, entre la moquerie joyeuse et la gêne sinistre, entre le familier et l'impensable. Ce spectacle va jusqu'à imaginer un avenir où l'on fait commerce des états d'âme et om les acteurs sont les meilleurs vendeurs.
Très librement inspirée de La Mouette, le Collectif Le Grand Cerf Bleu n’en fait ni une adaptation ni une réécriture. Plutôt une digression ou une variation autour des thèmes de l’œuvre, à partir desquels ils écrivent un nouvel objet fictionnel autour d’un spectacle en échec. Impuissance, ratage, quête d’idéal. Manque d’existence, de perspectives, besoin d’une vie plus vraie. Les comédiens et metteurs en scènes Laureline Le Bris-Cep, Gabriel et Jean-Baptiste Tur signent ensemble ce premier projet. Avec le désir de revisiter des textes classiques à partir d’une écriture de plateau, ils interrogent l’impuissance et l’inaccompli comme terreau de notre monde contemporain.
L’épopée d’Ulysse, frappé par la malédiction de Poséidon, qui cherche pendant 9 ans le chemin du retour. Le portrait d’un homme à travers le récit de ses errances. Après Iliade, accompagnée de la même formidable bande d’acteurs, Pauline Bayle poursuit son travail d’adaptation théâtrale des poèmes épiques d’Homère. Il ne s’agit plus de raconter l’histoire d’hommes pris dans la violence de la guerre mais celle d’un homme qui tente d’en revenir. Avec cette question en filigrane : comment s’en remettre ? Un théâtre surprenant, généreux et ludique pour donner à voir et à entendre cette Odyssée investie dans le temps présent.
L'an dernier, nous avions quitté une fratrie réunie à l'occasion de la mort des parents. On les retrouve dans le même pavillon de banlieue, de retour des obsèques. Mais ce jour de deuil est aussi jour d’émeutes et d’autres convives se sont invités à la table. Devant la violence des affrontements, la mairie a pris ses dispositions : les habitants sont invités à rester confinés chez eux. Contraints de cohabiter alors que dehors résonnent les cris de l’insurrection, une petite agora va s’établir dans le salon du pavillon témoin. Entre l’intime et le politique, l’humain et l’humour, Baptiste Amann poursuit son passionnant récit de la grande et des petites histoire d’un territoire qu’on connaît peu.
La rencontre entre Serge Teyssot-Gay et Rodolphe Burger sonne comme une évidence : de celle qui réunit deux histoires musicales qui ont fait l’histoire du rock français, avec Noir Désir et Kat Onoma. Deux guitaristes singuliers dont le jeu, dès la première mesure, est immédiatement reconnaissable.
Que savons-nous de cette création ?
Qu’ils se retrouvent ici pour inventer leur musique ! Qu’ils nous feront entendre, en français et en espagnol, quelques-unes de ces Coplas (poèmes d’amour andalous du XIVe siècle) qui donnent aussi le titre à ce projet. Qu’il y aura aussi d’autres voix qui leur sont chères à l’un et l’autre pour donner l’occasion à leurs guitares de croiser le fer et le feu.
Oreste aime Hermione qui aime Pyrrhus qui aime Andromaque qui aime Hector qui est mort… Andromaque ou la tragédie racinienne à son sommet. Partir du dispositif simple et trivial de la lecture : une table face public, cinq chaises, des bouteilles d’eau... Rien de tel pour faire entendre le drame dans sa parole brute et apprécier la beauté de la langue. Gageons pourtant que les acteurs ne resteront pas longtemps assis, que, en cours de route, la fièvre de Racine les mettra debout. Olivier Martin-Salvan, toujours là où on ne l’attend pas, nous fait partager son amour infini pour le théâtre et les grands textes. Et ce n’est pas le moindre de ses dons…
Le « récit » d’un fait divers, le meurtre au tournevis d’un conducteur agressif, à travers les témoignages de l’entourage du jeune meurtrier. Sur scène se succèdent le Père, l’Employeur, un témoin, la Mère, l’Epouse et le Meurtrier lui-même. Chacun prend la parole pour se raconter et dire comment ça les remue, les blesse, les bouscule, les change. L’effet polar de ce puzzle d’autoportraits, la musique percussive à la fois comme soulignement, variation et suspens, les miroirs tournants qui incitent à se reconnaître, nous plongent dans un hypnotique jeu de reflets propre à saisir, non sans malice, les démons de notre temps.
Des territoires isolés ; toute une société villageoise pleine de jalousies et d’aigreurs, un crime et une enquête policière qui manie l’étrangeté, le fantasme et l’effroi ; et puis un personnage ambigu au centre de l’intrigue : une femme à la mission mortifère qui se cache sous l’habit du curé de Mégère…
Jonathan Capdevielle, artiste hors norme, natif des Pyrénées près de Lourdes, s’empare du roman fascinant de Georges Bernanos pour prolonger son travail d'autofiction. La frontière y est ténue entre la réalité, le rêve ou le cauchemar. Dans ce labyrinthe trouble, les questionnements les plus profonds surgissent face aux préjugés coriaces d’une société contemporaine qui veut tendre vers une certaine normalité.
Été 1975. Un jeune homme fait du stop sur l’autoroute. Un automobiliste s’arrête : il est chauve, porte des lunettes cerclées d’acier, une veste à carreaux très élégante. Le garçon s’appelle Thierry Voeltzel. Le conducteur, c’est Michel Foucault. Les deux hommes deviennent amis. Et le philosophe propose au jeune homme de faire un livre ensemble sur ce que c’est d’avoir 20 ans en 1975. Sont abordées au cours de la conversation les mutations existentielles de la jeunesse : son rapport avec la sexualité, les drogues, la famille, le travail, la religion… et la révolution. Sur scène Pierre Maillet et Maurin Olles donnent une incroyable vigueur à ce portrait croisé des deux hommes et font renaître magistralement ce dialogue intime, vivant et politique.
Et si vous vous mettiez le temps d’une soirée dans la peau d’un programmateur de théâtre… Nous irons découvrir la création des Bacchantes à la Scène nationale de Narbonne ; nous en parlerons ensuite et déciderons ensemble si ce spectacle sera programmé la saison prochaine au Théâtre Sorano… Il n’y a que 50 places dans le bus !
Revenu déguisé en homme, d’une troublante féminité, Dionysos est l’étranger, l’ailleurs, l’Autre. Responsable de la cité de Thèbes, Penthée s’inquiète du chaos infligé à sa ville par cet étranger qui dit être venu pour diffuser le culte dionysiaque. Aveuglé par la conviction que Dionysos n’est pas un Dieu, Penthée évolue dans un réel troublé. Folie meurtrière, méfiance vis-à-vis de l’étranger, place des femmes dans la cité, frontières de notre humanité... sont au cœur de cette œuvre saisissante d’Eschyle sur la religion. En tissant théâtre, danse, musique et arts plastiques, Sarah Llorca explore la bestialité et la sauvagerie humaine, et interroge les limites de notre condition.
Une page blanche de neuf mètres par trois, un micro. C’est l’espace succinct nécessaire pour que la parole de Sébastien Barrier se déploie librement. Après Savoir enfin qui nous buvons…, ce poète funambule des mots vous invite à nouveau dans les méandres de son espace mental. Un peu comme le début d’un récit, d’une fable. Impossible d’en résumer les contours, inutile de vous gâcher le plaisir de la découverte, puisqu’il est question de se perdre… Benoît Bonnemaison, notre artiste graphiste, accompagne et dessine la parole. Et les lignes mélodiques de la guitare de Nicolas Lafourest exacerbent la sensibilité des mots. L’air de rien, les différentes couches de cette fresque poético-rupestre vous remuent au plus intime.
L’histoire du gars Dandin enrichi, devenu Monsieur De La Dandinière, noblesse bidon et illusoire, et la descente aux enfers de celui qui s’était crû parvenu au Ciel… Jean-Pierre Vincent, un insoumis du théâtre de 75 ans promet « un spectacle à cracher le sang », car il faut avoir le cœur bien accroché pour rigoler à George Dandin, bourgeois ridiculisé par tous, aristocrates et valets. Trois actes, trois tentatives pour rester le maître à bord, trois échecs, trois humiliations. Loin de tout réalisme rural, cette comédie horrible devient ici comme une fantaisie onirique, un cauchemar léger. Plus dure sera la chute !
Pichet Klunchun et Olé Khamchanla, deux chorégraphes, deux univers, deux traditions, une expérience commune de l’Asie, de ses danses et de leur modernisation. Seuls, à deux, en confrontation et à l’unisson dans ce duo d’exception, l’un comme l’autre s’emparent de cette tradition qui les constitue pour irriguer leur propre écriture chorégraphique, pour innover à partir des acquis. Matière première, matière mouvante, répétée, transformée, revisitée, la tradition n'en sera que bouleversée. Toute la question est là : comment négocier avec ses origines pour parvenir à une nouvelle danse, une danse d'aujourd'hui ?
Yolande Moreau aime écrire, jouer, réaliser et jardiner dans l'ordre qu'il vous plaira. Christian Olivier aime écrire, chanter, composer et crier dans l'ordre qu'il vous plaira. Ils conjuguent leurs talents artistiques pour lire et chanter les textes de Prévert dans un spectacle musical. Accompagnés de trois musiciens, ils revisitent l'oeuvre du poète pour la faire entendre sous une nouvelle forme. Parfois drôle, parfois tragique, mais toujours juste et ancré dans le présent, il est bien temps de se faire un nouvel inventaire sur un air de rhapsodie poétique. Merci Monsieur Prévert.
Paroles crues d’une femme libre, Aglaé raconte soixante ans de prostitution. Elle a tout fait, Aglaé, elle déballe tout. Les parties SM, les chiens, le milieu, les flics. Elle rit par éclats, se souvient des ficelles d’un métier qui l’a grandie, rendue forte et heureuse. Scandaleuse, Aglaé. D’après un témoignage authentique, Jean-Michel Rabeux écrit un solo sulfureux que Claude Degliame, comédienne et égérie, saisit royalement à bras-le-corps. Aglaé questionne les certitudes et les préjugés partagés sur le sexe, son usage, son commerce. Au cœur des débats passionnés où les valeurs morales s’opposent aux choix privés et individuels, Aglaé fait entendre une autre voix, le chant d’une liberté.
« X » car provocateur, certes, mais surtout méconnu : si Sade scandalise et dérange à travers les siècles, c’est qu’il transgresse bien au-delà des seules bonnes mœurs… Sa pensée dissèque conventions et dogmes de tout poil, nous renvoyant aux secousses de notre propre actualité, où sexe, religion, maternité, libertés sont encore des problématiques, des enjeux de pouvoir, voire des motifs d’asservissement. Ici les mots de Sade, incarnés par Céline Cohen avec un besoin viscéral de secouer son monde, font rire, grimacer, réagir, divaguer, fantasmer… ils choquent : ils (r)éveillent !
La Femme® n’existe pas est une variation théâtrale à partir de La Colonie de Marivaux, l’une des premières pièces féministes du répertoire mondial. Tout commence par un naufrage, une île, une vie sociale à réorganiser. Et voilà que les femmes, dans ce nouveau monde, s’insurgent et réclament de faire partie du gouvernement pour établir les lois et les institutions de demain... Barbara Métais-Chastanier et Kéti Irubetagoyena rêvent à de joyeuses insurrections féminines. Faisant le pari de la gaieté, avec beaucoup d’humour, elles explorent les rapports homme-femme dans l’ordre politique et l’histoire des luttes féministes et sociales.
Une femme trentenaire évoque sa vie et dévoile peu à peu le quotidien de la maladie qui la ronge : la maniaco-dépression, les médicaments, les médecins, et ses allers-retours à l’hôpital psychiatrique. Guillaume Vincent a consigné patiemment ses propos et les retranscrit au plus proche du langage parlé, restituant les lapsus, les balbutiements, les associations d’idées. Le trouble entre documentaire et fiction naît de l’incarnation de ces mots « vrais » par Émilie Incerti Formentini. Dans un dénuement presque total, elle fait partager avec sensibilité et parfois une terrible drôlerie, l’intimité d’une femme en proie à la difficulté de s’adapter au monde contemporain.
M.A.M.A.E. [Meurtre Artistique Munitions Action Explosive]
Six actrices « s’explosent » face au public. Six demandes d’amour urgentes violentes. Corps tendus comme en extase, elles éructent, ragent, crachent, cinglent, dézinguent avant d’en finir. En chœur et c’est foudroyant, haletant, magnifiquement rythmé. Puis, une à une, de loin ou de près, avec glamour ou glaviot, elles viennent nous apostropher, nous séduire, nous provoquer, nous emmener dans leurs chants maléfiques de sex and crime, de sang, de « ta gueule » et de « fuck » à tout va… Une performance « Parlante ». Éclats. Fulgurances. Un texte boomerang.
Alcool, un petit coin de paradis
Il y a dans ce poème au lyrisme flamboyant qui vous prend aux tripes, quelque chose de Cassavetes ou de Bukowski. Dans un coin de mur, miroir déformé de la cité, une femme ivre de mots, ivre de vie, se cogne pour trouver sa part d’humanité, retrouver un visage. Entre paroles rageuses et mots accrochés aux étoiles, Fanny-peau-de-whisky balance la longue litanie d'une vie écartelée entre les bars, d'une existence fracassée entre le dernier verre du jour et le premier du lendemain, les rencontres, les discours, les chansons d’amour ... Ne passez pas à côté de cette femme en imperméable et talons aiguilles rouge. Enivrez-vous avec elle.
« Quat’sous » est un sobriquet du sexe féminin, où s’entend le peu de valeur accordé à la femme, se sous-entend la facilité à en user et à en abuser. Dans Les Armoires vides (1974), Une femme (1988) et La Honte (1997), romans dont est tiré le texte du spectacle, Annie Ernaux dessinait le portrait d’une femme déchirée entre le milieu populaire de ses origines et le milieu intellectuel auquel elle aspire. Laurence Cordier nous offre ici un portrait féminin aux multiples facettes. Sur scène, trois voix, trois corps, trois générations de femmes donnent chair à cette partition aussi drôle que poétique, aussi tranchante que sensible.
L’adaptation des pièces d’Alfred Jarry (Ubu sur la butte et Ubu Roi) proposée par Olivier Martin-Salvan et sa bande d’acteurs déchaînés donne résolument dans la farce et le burlesque. Et cet Ubu, déchargé de toute psychologie, résonne incroyablement aujourd’hui. Déjanté, pulsionnel, infantile, potache et grand guignol, Père Ubu trépigne de son désir d'être roi à la place du roi. Le voici, en justaucorps rayé blanc et rouge, qui court sur le tapis de gymnastique à petites foulées et mène l’entraînement… Une pochade théâtrale aux accents joyeux et dérangeants qui exacerbe pour notre plus grand plaisir toutes les outrances et lâchetés du scandaleux héros.
Un ancien directeur de camp de concentration, aujourd’hui juge à la veille de sa retraite, s’applique à une fête clandestine pour commémorer l’anniversaire de la mort d’Himmler, haut dignitaire de l’époque nazie. On assiste à la préparation de la cérémonie par ses deux sœurs… et à son déroulement apocalyptique. Thomas Bernhard dissèque au scalpel les zones de ténèbres et les espoirs honteusement tapis dans le tréfonds d’un paisible foyer où l’adoration et la ferveur du nazisme refont surface… La lumière se lèvera sur un intérieur couvert de cendres. Morts déjà sans le savoir, dans les limbes de l'histoire, ces personnages attendent d’être achevés, de disparaître totalement…
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