Spectacles
Le nom de Lazare, protagoniste du début de l‘ère chrétienne, est associé à la résurrection. C’est cette idée d’immortalité et de cycle de vie en perpétuel renouvellement qui est à l’origine de Lazare Merveilleux. Sous les traits d’Antoine Terrieux, Lazare devient ici un personnage de magie. Le circassien, jongleur-comédien, visage crevassé et vêtements en lambeaux, semble tout droit sorti de son tombeau. Son retour sur terre est salué par un envol de ballons rouges. Il va faire des miracles…
Prenant les idoles comme prétexte dans leur fabrique théâtrale, Théodore Oliver et son équipe interrogent notre rapport à la croyance. Sur scène, apparaissent un feu, une pierre, une guitare, trois acteurs, des toiles imprimées. Avec eux des histoires, celles qui fondent l’imaginaire occidental. Des investigations qui s’étendent du Big Bang à nos jours, en passant par l’incontournable Jésus-Christ, la chanson de Roland, le pas sur la Lune de Neil Amstrong, ou le tueur en série Charles Manson.
Fragile(s) ! Au Théâtre du Pont Neuf
Marie Clavaguera-Pratx souhaite raconter l’histoire d’un groupe de braqueurs rendus célèbres par les médias dans les années 80, « les Postiches ».
Aujourd’hui, elle propose son Prologue. Au commencement, il y aura un être solitaire et singulier. Un « marginal » rendu invisible, dont le désir premier est de marquer l’histoire en inscrivant son nom sur le grand tableau noir. En guide nyctalope, il convoquera un gang. Une fois réunis, les membres se donneront les moyens d’exister et de prendre place dans la fresque économique, sociale et politique française.
Rêvée et murie pendant des années, cette fresque théâtrale tirée du plus inadaptable des romans nous donne à voir une œuvre immense à travers les regards de jeunes artistes d’à peine 30 ans. Le résultat, porté par une réelle urgence, est d’une surprenante acuité au regard de notre monde.
MOLIERE sera un projet au long cours, développé sur les années 2020, 2021 et 2022. Il se déclinera en plusieurs études, formes plus ou moins éphémères, plus ou moins longues, plus ou moins lourdes techniquement, pouvant être créées sur commande ou à l’envie pour un lieu, des gens et un contexte particuliers. Et, au bout du chemin, il y aura un « grand » spectacle.
Pour cette première étude, prenez des comédiens et des comédiennes persistants dans leur étrange envie de faire une création collective et l’auteur le plus archi-connu du théâtre français. Ce soir, ils pensaient être capables de se mettre d’accord en choisissant Molière, en jouant dans la même pièce. Mais ce n’est pas possible. Décidément ces comédiens sont des animaux bien sentimentaux, presqu’un peu sauvages. Aussi ont-ils commis quatre actes désaccordés. Surgissant de la machine, Molière ne saura-t-il pas malgré tout les réunir ? Par un cinquième acte peut-être…
Au début de Change Me, nous suivons, comme dans un thriller, l’histoire d’Axel.le, une jeune fille qui fait croire à son groupe d’amis et à sa petite copine qu’elle est un homme. Au cours d’une soirée où elle s’apprête à avoir son premier rapport sexuel, son identité est révélée et le scandale éclate. L’histoire se tord dans la violence et se transforme.
Lucifer revient sur terre une dernière fois. Pour faire le point. Le savoir, le désir, la liberté, la désobéissance… Qu’avons-nous fait des cadeaux qu’il nous a offert ?
Il revient avec un grand projet. Celui de sauver le monde. Un dernier échange, méchant et drôle, une dernière provocation avant l’oubli, avant la fin. Avant qu’il ne soit trop tard.
Marion Siéfert rêve d’un théâtre ouvert sur les vies, les visages et les voix des jeunes gens d’aujourd’hui. À l’invitation du Théâtre de la Commune (Aubervilliers), elle s’est immergée dans la scène hip hop du 93 et a composé un manifeste radical et plein de sincérité qui réunit deux femmes incandescentes : une rappeuse, Lætitia Kerfa et Janice Bieleu, une danseuse de popping et de Lite Feet.
Sur scène, une femme raconte. Son mariage, ses certitudes d’alors, forgées sur l’adage maternel selon lequel un homme revient toujours au foyer quand son ventre est contenté... Pour lui, elle cuisine tous les plats réconfortants. Mais deux enfants plus tard et une fois le peu de beauté qu’elle s’attribuait envolé, son mari lui annonce qu’il la quitte. Son monde s’effondre tandis qu’elle se sait enceinte…
Imaginez une famille – un père, une mère, un fils, une fille et l’Oncle Michel – qui serait condamnée à vivre le même dîner en boucle et cela pour l’éternité. Imaginez les discussions – forcément banales – et les mets plastiques – forcément fades – de ce repas infernal. Imaginez une télévision, centrale, et les émissions qu’elle diffuserait – Plus belle la vie, Des chiffres et des lettres… – tous les soirs à cette même heure qui voit toutes les familles françaises ainsi s’attabler. Imaginez enfin le décor, factice – le canevas de chasse, le papier peint vert d’eau… – qui servirait d’écrin à cette farce grinçante.
SStockholm s’inspire de l’histoire de la séquestration de Natasha Kampusch retenue plus de huit ans en captivité. Mais plus encore qu’un fait divers, la pièce traite de l’enfermement quel qu’il soit. Solenn Denis signe un texte brut, sans compromission, presque clinique qui plonge dans les névroses de deux êtres, les noirceurs de leur âme, creuse au plus profond afin de décortiquer les mécanismes qui régissent le couple prisonnière / geôlier.
Pièce politique de source autobiographique,
Place explore l’espace mental de la jeune femme qui décide à rebours d’aller à la rencontre de son histoire familiale. Déchirée entre sa culture maternelle, un Irak inaccessible et le présent d’une française « parfaitement » assimilée, Yasmine se dédouble. La scénographie épurée – du sable, des chaises, un micro – invite les spectateurs dans un temps suspendu, dans une salle de classe bombardée, sur les bancs du service étrangers de la préfecture de police...
Dans ce projet singulier, Étienne Blanc convoque la pièce de Shakespeare comme « archétype du théâtre », et met en place un dispositif progressif d’immersion du spectateur dans le spectacle, afin de remplacer les véritables acteurs, absents.
La représentation joue de l’impossibilité de sa propre réalisation, et de la mise en place de moyens de substitution pour en venir à bout. Dans son combat pour la vérité, Hamlet ne s’insurge-t-il pas lui-même contre le dispositif théâtral ?
Milieu des années 1970, dans la banlieue tranquille de Détroit, cinq soeurs se donnent la mort. La sidération est totale. Rien dans l’apparente normalité de la famille Lisbon ne laissait présager le suicide de ces soeurs. Vingt ans après, leurs jeunes voisins, devenus pères de famille, n’ont rien oublié de ce drame dont l’énigme reste entière. Ils ré-ouvrent l’enquête et tentent de donner un sens aux faits, aux témoignages et à toutes les pièces à conviction collectés au fil du temps.
« Cette création collective forgée à partir des propositions de chacun, improvisations, références (Retour à Reims de Didier Eribon, La Misère du monde de Bourdieu, et des textes de Lagarce…), se nourrit de préoccupations intimes et d’autres plus sociales et politiques. Dans un tourbillon de parole joueuse, les comédiens formés à l’école du Théâtre National de Bretagne déploient un jeu incarné, brûlant, physique. Une poignante tragédie familiale entre réalisme et onirisme. »
L’histoire d’un homme, Jerold Bradway, ancien trader qui vit aujourd’hui dans une prison, un camp aux contours flous, avec d’autres détenus qui, comme lui, puissants financiers, ont fait fortune dans les hedge funds ou, marchands d’arts, ont détourné des milliards de dollars. Réflexion « sur la possession et la perte, sur la fragilité des hommes, sur leurs rêves de liens, sur l’absence d’espoir », ce monologue interprété par Joseph Drouet nous place face à « une vision immense du vide contemporain ». Terrain de jeu idéal pour Gosselin qui peut y déployer son théâtre total et immersif.
Sous la houlette du metteur en scène David Czesienski, le Collectif OS’O s’empare avec jubilation du roman de Zola. Tour à tour interprètes ou narrateurs, les comédiens déroulent, verre après verre, le tragique destin de l’honnête blanchisseuse, Gervaise Macquart dans le quartier de la Goutte d’Or à Paris. Mère de deux enfants, abandonnée par son mari, Gervaise travaille dur pour réaliser son rêve : ouvrir sa propre blanchisserie. Malheureusement, après un accident, son nouvel époux, Coupeau, sombre dans la paresse et l’alcoolisme, et Gervaise va inexorablement à son tour glisser vers la déchéance…
Cocorico, c’est le tableau d’une vie, celle d’un monsieur tout le monde, avec ses petits évènements qui font de grands souvenirs. Un duo burlesque de haute volée, dans les pas de Chaplin, Keaton et Tati, qui fait de nos vies ordinaires un hymne à la joie et au plaisir partagé. Après le succès de Franito en janvier dernier, Patrice Thibaut revient avec ce spectacle qui a fait le tour du monde et reçu de nombreux prix internationaux.
On s’en souvient, c’était un concert mémorable, le 22 septembre 2017, à l’équinoxe d’automne, Manu Galure partait du Théâtre Sorano, son piano sur le dos, des confettis plein les poches et son chapiteau à la main pour un Tour de France à pied et en chansons. Plus de deux ans sur les chemins, au tempo des chaussures, à chanter partout et n’importe où, qu’il pleuve, qu’il vente ou qu’il neige, dans des salles, des bistrots de villages, granges, écoles, mairies… ou même chez les gens, tel un baladin des grands chemins et des temps modernes. Il est parti de chez lui et il y revient pour le solstice d’hiver… Soyez nombreux à venir saluer et fêter le retour dans sa ville du troubadour toulousain !
Fabrice est à la caisse d’un supermarché lorsque la caissière lui demande s’il a la carte du magasin, il a beau fouiller ses poches, il ne la trouve pas. Arrgh… Il l’a oubliée dans son autre pantalon. La caissière appelle la sécurité. Fabrice prend la fuite. En quelques heures, il devient l’ennemi public numéro un… Comment ne pas succomber à l’humour ravageur et délirant de Zaï Zaï Zaï Zaï ?
L’auteur, metteur en scène et comédien, Hugues Duchêne s’est lancé dans une audacieuse entreprise : relater sur scène les années du quinquennat Macron. Le principe : une heure de spectacle égale une année. Ça commence en septembre 2016 et ça s’arrête… à la date de la représentation. Armé de son appareil photo et de beaucoup de culot, Hugues Duchêne s’infiltre partout et nous entraîne dans la chronique politico-judiciaire des événements qui ont fait l’actualité des trois années écoulées.
L’auteur, metteur en scène et comédien, Hugues Duchêne s’est lancé dans une audacieuse entreprise : relater sur scène les années du quinquennat Macron. Le principe : une heure de spectacle égale une année. Ça commence en septembre 2016 et ça s’arrête… à la date de la représentation. Armé de son appareil photo et de beaucoup de culot, Hugues Duchêne s’infiltre partout et nous entraîne dans la chronique politico-judiciaire des événements qui ont fait l’actualité des trois années écoulées.
Pour commencer l'année, en collaboration avec Team Break, leader du jeu d’évasion, le Théâtre Sorano vous ouvre ses portes et ses espaces (salle, scène, coulisses, dessous, loges…) pour un jeu grandeur nature, entre escape game et parcours immersif, à la découverte des secrets du mythique théâtre toulousain.
Les Chiens de Navarre sont de retour, leur tendresse écorchée et corrosive dirigée droit vers la famille. D’emblée, Jean-Christophe Meurisse donne le ton : « 91% des Français affirment que la présence quotidienne de leur entourage familial leur apparaît comme essentielle. Je me sens bien souvent un égaré des 9% restants ».
L’Éveil du printemps met en scène les trajectoires d’un groupe d’adolescents aux prises avec leur sexualité naissante, confrontés à la moralité d’un monde adulte et institutionnel hostile. Ils s’appellent Melchior, Wendla, Moritz… Face à la métamorphose de leurs corps, en proie aux désirs, aux doutes, aux angoisses, aux questions existentielles, fougueux et avides d’expériences et de connaissances, ils se racontent, se confient, échangent, dialoguent. Entre rêve et cauchemar, ils essaient de comprendre et de vivre.
Le voici à nouveau en concert, mais pas seul. Nous lui avons proposé pour cette carte blanche d’inviter deux ou trois actrices qui chantent. Parce qu’on aime bien au Sorano les actrices qui chantent. À ses côtés, il aura donc, lumineuses, énergiques et enthousiastes, Florence Viala de la Comédie Française, Romane Bohringer et… De quoi sera faite cette soirée exceptionnelle, on ne sait pas trop bien encore.
Habillés de lumières, évoluant sous les variations d’une envoûtante musique électronique, au plateau, cinq corps nus s’offrent dans leur crudité, leur entièreté originelle, dénués de toute sophistication, et invitent à une étude anthropologique, éthologique de leurs comportements. Les corps paraissent ici revenus à l’état d’hominidés.
Quelque part en Europe, aujourd’hui. Un curieux microcosme, qui séjourne librement dans un lieu à l’écart de l’agitation du monde, accueille un nouveau venu selon un protocole enthousiaste. À travers ses yeux, ce lieu à l’imaginaire étrangement décuplé se dévoile peu à peu, et agit comme une énigme. On découvre la sensibilité des résidents, l’étonnante joie de leurs activités en même temps que le vertige de leurs préoccupations.
Dernier volet de la trilogie Des territoires qui suit les péripéties d’une fratrie réunie au moment de la mort des parents. Baptiste Amann reste fidèle à son parti pris audacieux : faire s’entrechoquer des épisodes marquants de l’histoire de France et notre histoire contemporaine. On retrouve la fratrie rassemblée autour de leur frère Benny qui, suite aux violentes émeutes dans le quartier, est en état de mort cérébrale. Pendant ce temps-là, dans le même hôpital, se déroule le tournage d’un film sur la guerre d’Algérie et notamment sur le procès de Djamila Bouhired, figure emblématique de la Révolution algérienne.
Après une exceptionnelle traversée du théâtre de Corneille, Brigitte Jaques-Wajeman met en scène Phèdre, la plus célèbre, la plus mystérieuse tragédie de Racine. L’exploration des fantasmes, où l’amour, la haine et la mort ont le même visage, est ici poussée jusqu’aux limites de l’innommable.
Lear est un conte de Noël. Il y est question de transmission et de deuil. Ça commence par un cadeau. Un roi donne en partage son royaume à ses trois filles. Et tout dégénère. L’héritage est trop lourd. Raconter Lear, c’est raconter le théâtre. Ils sont quatre interprètes et s’emparent de la pièce. Ils sont comme ces enfants qui nous racontent leurs pères. Qui observent leurs dérives. En utilisant tous les artifices du théâtre, ils nous emportent dans la folie d’un roi. Et personne n’en ressort indemne. Tous les soirs, la troupe occupera un théâtre différent de Toulouse et adaptera le spectacle aux particularités de la salle.
Comédie insensée sur l’univers underground américain des années 70, A Low Life in High Heels est l’autobiographie d’un jeune homme tourmenté par la culpabilité de ses orientations sexuelles, qui s’enfuit de chez lui et décide que la vie n’est que ce qu’on veut bien en faire. Dans une folle quête décomplexée, il devient à 16 ans Holly Woodlawn puis stripteaseuse, go-go danseur et mannequin avant d’être propulsée vers la célébrité comme travesti superstar par Andy Warhol… C’est l’hilarante et irrésistible histoire d’une liberté folle, de vies ravagées, et du triomphe d’un esprit indomptable.
Une représentation en audiodescription aura lieu le vendredi 24 avril en partenariat avec Accès Culture. Plus de renseignement au 05 32 09 32 35.
Au commencement des choses, une maison,
vestige d’un amour utopique vécu à trois.
Pierre y vit toujours, seul. Hélène et Paul ont refait leur vie chacun de leur côté... Aujourd’hui, fin des années 80, ils reviennent avec leurs nouvelles familles pour débattre de la vente de cette maison achetée en commun en 68. C’est l’histoire d’une confrontation entre deux époques… Que reste-t-il de notre jeunesse ? De nos amours perdues ? De nos promesses d’amitié ? De nos projets communs ? Comment se parler lorsque rien n’est plus comme avant ?
Nathalie Béasse est une fabuleuse inventrice d’écriture au plateau. Elle rend toute sa majesté aux corps et immerge le spectateur dans un monde où les sensations priment. Le bruit des arbres qui tombent, ce n’est pas une histoire mais un enchaînement d’histoires qui se construisent et se déconstruisent sous nos yeux avec une simplicité fascinante. Nathalie Béasse y explore les failles et les difficultés d’exister d’une humanité aux prises avec la Nature : la terre, les pierres, le souffle du vent, la pluie qui pleure sur un visage…
La plupart des sols puent et sont morts. L’air devient irrespirable, les eaux montent, les déserts s’étendent. Nous sommes condamnés à manger du poison. Mais plutôt que de se noyer dans cette catastrophe qui laisse perplexe, ceux-là se sont donné rendez-vous dans un jardin pour vérifier que la Beauté n’est pas morte. Ils ont imaginé une ode à l’escargot, aux semences et à la Nature.
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