Spectacles
Une maison des merveilles, une maison des horreurs. Le paraître est élégant, nous sommes indéniablement en demeure bourgeoise, plus précisément dans un salon. À nouveau, avec sarcasme et humour, Oktobre nous plonge dans cette comédie humaine stupide, profonde, Un théâtre physique et extrême qui se joue des codes de la comédie comme de la tragédie. Une grande fresque en blanc, rouge et noir, amorale et jubilatoire. La compagnie Oktobre défend un cirque de haut niveau dans un univers résolument théâtral puissant et esthétique.
- Wedekind a 26 ans quand il écrit cette pièce chorale où s’entrecroisent et s’écrivent les trajectoires d’un groupe d’adolescents. Ils s’appellent Wendla, Ilse, Melchior, Moritz, Ernst... On les découvre à ce moment décisif de la vie où les corps sensibles, les désirs, les énergies viennent buter contre la brutalité du monde des adultes, contre un carcan social, éducatif et politique trop répressif. Les jeunes comédiens de l’AtelierCité, dirigés par Sébastien Bournac, s’emparent avec vitalité de cette œuvre puissante pour en faire jaillir « la peinture ensoleillée de la vie ».
La Nuit des rois émerveille par son atmosphère de rêverie amoureuse et de bamboche irréelle. Shakespeare y ose tout et surtout le mélange des genres. Il écrit une variation vertigineuse sur le désir, ses leurres et ses caprices, que le travestissement et les quiproquos vont rendre manifestes. Sous la direction de Laurent Brethome, les onze comédiens sortant de la Classe Labo s’emparent avec une énergie vorace de ce délicieux conte shakespearien.
Dix comédien.ne.s de la promotion 2018 de l’École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier entre les mains de quatre metteurs en scène de différentes générations. Quatre expériences, quatre façons d’aborder un texte, quatre univers…
Dans J’apprends à voir Pelléas et Mélisande, Amélie Enon interroge le processus de création théâtrale et chemine dans les eaux profondes des œuvres de Maeterlinck et Rilke.
Dix comédien.ne.s de la promotion 2018 de l’École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier entre les mains de quatre metteurs en scène de différentes générations. Quatre expériences, quatre façons d’aborder un texte, quatre univers…
Dans L’autre cool, François-Xavier Rouyer, lorgnant à la fois vers la sciencefiction soft et la comédie de moeurs, rêve, dans un futur où l’humanité serait devenue un vaste flux d’informations, d’un Tchekhov au pays des robots.
Dix comédien.ne.s de la promotion 2018 de l’École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier entre les mains de quatre metteurs en scène de différentes générations. Quatre expériences, quatre façons d’aborder un texte, quatre univers…
À travers son Mr and Mrs MacB, Stuart Seide livre sa vision du Macbeth de Shakespeare et raconte l’éternelle soif de pouvoir et la descente vertigineuse dans la cruauté, le sang et le massacre en costume cravate et robes chics.
Dix comédien.ne.s de la promotion 2018 de l’École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier entre les mains de quatre metteurs en scène de différentes générations. Quatre expériences, quatre façons d’aborder un texte, quatre univers…
Gildas Milin enverra un Cosmic Kiss en forme de western quantique et d’opéra rock à l’année 1991, celle où le monde a basculé avec la naissance d’internet, la généralisation des applications « anthropotechniques », la globalisation commerciale…
Dix comédien.ne.s de la promotion 2018 de l’École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier entre les mains de quatre metteurs en scène de différentes générations. Quatre expériences, quatre façons d’aborder un texte, quatre univers…
Bien loin de toute sorcellerie fantasmée, quatre jeunes actrices s’emparent avec une verve réjouissante du mythe pour dévoiler les mécanismes de persécution et de domination qui continuent de toucher les femmes. De siècle en siècle, en revêtant tour à tour la figure de la sorcière Marthe, elles enfourchent le balai. Leur joyeux féminisme, leur ironie, leur audace, leur érudition impressionnent. Une œuvre engagée qui bouscule les tabous.
Monologue testamentaire d’un jeune projetant de commettre un attentat-suicide au nom d'un dieu obscur : l’Ogre. À l’origine de l’écriture : le contrecoup de la sidération, de la blessure et de l’effroi et cette question : comment répondre ? Le texte de Charly Breton (jeune acteur, auteur, metteur formé à l’ENSAD de Montpellier) questionne avec acuité la fascination qu’exerce cette nouvelle figure du nihilisme contemporain : le héros négatif, et l’économie pulsionnelle qu’elle recouvre.
La Fabrique des idoles est une enquête menée par les comédiens de MégaSuperThéâtre sur la notion d’Idole et sur les rituels qui y sont associés. Ils ont fouillé l’histoire, les leurs et aussi la grande, celle qu’on apprend à l’école, mais aussi rencontré des cosmologistes, des préhistoriens, des professeurs de théologies, des publicistes ; ils sont partis à la découverte de Jérusalem. Tout au long de cette recherche, ils ont joué : jouer à comprendre, à travers le théâtre, l’enquête qu’ils menaient, à fabriquer des codes pour témoigner joyeusement de leurs trouvailles. Jouer pour ne pas se faire avaler par le sérieux…
Une pièce de théâtre sur « l’affaire Olivier Py » ! En avril 2011, Olivier Py, alors directeur d’un théâtre national, apprend qu’il ne sera pas renouvelé, et que Luc Bondy prendra sa place. À ce moment-là, tout le monde y a vu une décision du ministre de la Culture, Frédéric Mitterrand. Plus tard, il s’est avéré que la décision venait plutôt du président… Mi théâtre documentaire, mi fiction, Hugues Duchêne propose ici une comédie qui évoque les coulisses du pouvoir et les rapports entre art et politique.
Cent Mètres Papillon raconte l’histoire de Larie, un adolescent épris de natation. Il nage et questionne « la glisse ». Il suit le courant en quête de sensations, d’intensité et de vertiges. Maxime Taffanel sait de quoi il parle. La chorégraphie est impeccable et on voit bien que la natation n’est pas pour lui qu’une métaphore ! Cet ex-nageur de haut niveau devenu comédien nous emporte dans son aventure passionnante, dévoilant les coulisses d’un sport méconnu qui repousse les limites de l’athlète. Il livre ici un monologue aquatique à la fois tendre, poétique et drôle.
Auteure et metteure en scène, Marion Péllissier crée, dans ce thriller fantastique et métaphysique, un huis clos nimbé d’étrangeté, aux confins de l’écriture dramatique et cinématographique. Dans un espace vide, un couple est séquestré. Ils ne savent pas pourquoi ils sont enfermés. Arrimés à des lambeaux de mémoire, ils se réfugient dans un rituel pour préserver leur passé. Ils s’exercent à se raconter à haute voix ce dont ils se souviennent pour ne pas oublier, pour ne pas perdre ce qui reste de leur identité et de leur amour l’un pour l’autre. Mais les souvenirs se délitent, se transforment, divergent…
En décembre 2015, Lucie Soullier publiait dans Le Monde, un article intitulé « Le voyage d’une migrante syrienne à travers son fil WhatsApp ». Clea Petrolesi s'inspire de ce récit documentaire et des 250 captures d’écran, que la jeune Dana, alors en route vers l’Allemagne, a confiées plus tard à la journaliste. Ce projet est pensé à partir d’une pluralité de matériaux, mêlant images, couleurs, mots et corps. Tordre WhatsApp dans tous les sens, pour proposer une écriture transversale qui viendrait raconter l’exil de Dana et Kholio. Leurs doutes, espoirs et peines, leur Europe fantasmée et l’amour qui n’a pas de frontière.
« Est-ce que vous êtes heureux ? », « Comment vis-tu ? », « Comment tu te débrouilles avec la vie ? » Profondément marqués par le film documentaire tourné par Edgar Morin et Jean Rouch en 1960, Chronique d’un été, Justine Lequette et ses quatre talentueux comédiens en reprennent les questions-clés, adressées à des passants, étudiants, ouvriers, employés, immigrés… Une écriture de plateau collective, un regard critique sur la réalité sociale et politique d’aujourd’hui, et une belle dose d’imagination scénique.
Révélée au dernier Festival de Liège, cette première création de théâtre-vérité est un bijou d’intelligence, de pertinence et d’inventions ludiques.
Après Caligula (2016), la compagnie Ah ! Le Destin travaille sur une adaptation de Marie Tudor de Victor Hugo, thriller poétique et politique qui se resserre autour de la figure de Marie 1ère d’Angleterre. L'intrigue nous jette ainsi au cœur d'un monde corrompu où quête du pouvoir, érotisme, diplomatie et menaces de mort se querellent. Le projet : créer un nouveau spectacle pluridisciplinaire croisant écriture musicale au plateau et une grande œuvre du répertoire.
Sur un plateau épuré, l’engagement des acteurs, les corps, les élans dramatiques de la poésie de Hugo... et faire surgir de ce trop-plein la beauté des monstres.
L’Avenir est un poème dramatique écrit et interprété par Clément Bondu, accompagné par deux musiciens dans une performance théâtrale mêlant musiques électroniques et expérimentations visuelles conçues à partir des photographies argentiques noir et blanc de l’auteur. Un chant de mémoire et d’exil, élégie à la beauté fragile du vivant.
Rachida rencontre Liam. Annie rencontre Pascal. Rachida et Liam sont jeunes, issus d’un milieu violent et précaire. Annie et Pascal sont au milieu de leurs vies, respectivement de classe moyenne et bourgeoise, plus intégrés. Pourtant, dans chaque couple, « l’amour » prend peu à peu la forme de la violence. L’auteur-metteur en scène Gérard Watkins et les quatre remarquables comédiens qui l’accompagnent nous plongent= dans l’enfer des violences faites aux femmes. Une plongée bouleversante de justesse au cœur du sujet.
Dévaste-moi est un spectacle musical inédit imaginé par Johanny Bert avec la comédienne sourde Emmanuelle Laborit. Devant nous, une femme qui pleure, qui aime, qui danse, qui crie, qui jouit, qui vit. Comme dans un récital lyrique, un bal populaire, un concert de rock ou un monologue musical, Emmanuelle Laborit, en véritable showgirl, accompagnée du Delano Orchestra, chante/signe un répertoire qui va de Carmen à Brigitte Fontaine en passant par Bashung et tant d’autres.
Les Animals regroupe deux pièces qui mettent en scène l’irruption d’un parasite désargenté dans le quotidien tranquille d’une famille bourgeoise.
Dans La Dame au petit chien, on suit un jeune artiste endetté qui s’offre lui-même en gage à un créancier stupide.
Dans Un mouton à l’entresol, un pseudo-domestique squatte le logis de son maître pour mener d’étranges expérimentations...
La Bonne éducation explore les thèmes de l’enfance et de l’éducation sur un mode décapant. Car chez Labiche, les adultes ne s’occupent pas de leurs enfants et n’ont que faire de leur avenir.
Dans La Fille bien gardée, une jeune veuve évaporée se décharge ainsi entièrement de l’éducation de Berthe, son enfant, sur ses deux domestiques.Dans Maman Sabouleux, un couple de bourgeois ayant mis, depuis 8 ans, sa fille Suzanne en nourrice, lui rend visite pour la première fois…
Un homme et ses soeurs arpentent un sol jonché de vaisselle cassée. Voss, le frère philosophe revient d’un séjour en asile psychiatrique pour déjeuner chez ses deux soeurs, comédiennes sans emploi ni talent…
Séverine Chavrier livre une version très personnelle et fracassante de la pièce de Thomas Bernhard, Déjeuner chez Wittgenstein. Un « repas à coups de marteau » où il ne s’agit pas de recoller les morceaux mais bien de les briser encore, avec une véhémence noire qui n’exclut pas l’humour, bien au contraire.
À Toulouse, on connaît bien le chant doux et âpre d’Alima Hamel à cheval entre deux cultures, la France et l’Algérie, où se mêlent jazz, rock progressif et musique improvisée. Mais aujourd’hui c’est dans l’urgence et l’engagement du théâtre qu’elle livre un texte autobiographique puissant pour raconter le traumatisme de son histoire familiale qui croise celui de la guerre civile en Algérie.
Aurélien Bory accompagne les mots d’Alima sur scène en imaginant pour elle un espace et un dispositif qui trace les contours géographiques du récit et dessine les méandres de sa mémoire…
Une création qui bouscule les genres en mêlant la musique, un style de flamenco traditionnel et la puissance comique du burlesque. C’est l’histoire de Franito, un homme-enfant, jeune prodige du flamenco, incarné par l’époustouflant danseur Fran Espinosa, qui tente d’échapper à sa mama, à l’amour aussi autoritaire qu’étouffant, interprétée par… Patrice Thibaud. Se dessine sous nos yeux dans un rire permanent un tableau décalé et irrésistible, mélange étonnant entre Fernando Botero, Louis De Funès et Concha Piquer.
Georges Lavaudant à qui l’on doit quelques-unes des plus belles pages de l’histoire du théâtre européen. Stanislas Rodanski, poète cabossé à la Artaud. Un spectacle hors du temps. Une œuvre fulgurante. Dans ce huis clos énigmatique entre rêve et réalité, l’amour et la mort dansent un étrange ballet. La beauté des images nous embarque dans un voyage théâtral entre mystère et incandescence.
Des hommes ordinaires. Sans le savoir, vous les avez peut-être déjà croisés. Vous ne vous rappelez ni de leurs voix, ni de leurs visages, mais vous les avez déjà rencontrés. Ils s’appellent Tom, Dean, Ray, Sean, Vincent… Ils sont aidesoignant, vendeur démarcheur, coursier… Tous ont éprouvé la perte irrémédiable. Tous ressentent le manque comme une famine.
Emmanuel Meirieu, en créateur d’émotions fortes, adapte les nouvelles de Bruce Machart et offre une bouleversante analyse de la condition humaine, encombrée de deuils et de blessures.
Une étrangère déboule dans le Web 2.0 et, dans l’espoir de se faire des amis, explore les réseaux sociaux. Elle décrit, observe et analyse ce qu’elle trouve sur Facebook, traque des récits et invente des suites possibles. Avec ce premier opus réécrit spécialement pour chaque représentation, Marion Siéfert place le public au centre de la démarche de création : les spectateurs sont tout autant voyeurs que dévoilés, curieux qu’objets de curiosité.
La pièce rassemble deux êtres en une seule et même figure : « l’enfant grande ». Grâce à l’hybridation de la danseuse et comédienne Helena de Laurens avec la mémoire (théâtrale et filmique) de son ancienne partenaire, les représentations convenues de l’enfance se troublent.
Partir du corps adulte pour raconter l’enfant dans son rapport à la famille, à l’État et à l’art, questionne notre rapport à la norme. Une création saisissante.
Déguisé en homme, Dionysos, fils de Zeus, rentre à Thèbes, sa ville natale. Parce qu’on refuse de l’honorer, il jette une malédiction sur les femmes et les envoie délirantes dans la montagne. Le roi Penthée s’inquiète du chaos infligé à sa cité et décide d’affronter l’inconnu…Deux millénaires nous séparent des Bacchantes. Et pourtant, cette œuvre résonne de façon saisissante. Folie meurtrière commandée par un Dieu, méfiance vis-à-vis de l’étranger, place des femmes dans la cité…
La jeune Sara Llorca revisite cette fable cruelle en l’ornant finement d’un enrobage rock et vénéneux.
Un comédien. Une parole spontanée qui trébuche, qui raconte quelques souvenirs insignifiants, déroule peu à peu une histoire terrible qui prend à la gorge. Rien ne laisse prédire ce qui arrive, et c’est l’irréparable. En travaillant sur Fassbinder, Sébastien Bournac a découvert ce témoignage judiciaire bouleversant d’un détenu condamné à perpétuité extrait d’une étude allemande des années 1970, entre sociologie et psychiatrie.
Dans une trompeuse simplicité, on parcourt la parole brute de Peter Jörnschmidt et les chemins obscurs qui ont conduit au meurtre ce jeune homme comme les autres qui essayait seulement de vivre avec.
Qui mieux que La Souterraine, cellule d’agitation underground de la chanson et du rock d’ici, pour rendre hommage à Léo Ferré ? Un album, C’est extra, avec 13 reprises de titres interprétées par des artistes de la scène contemporaine. La création d’un spectacle porté par un groupe formé pour l’occasion, l’EXTRAGROUPE où l’on retrouve une partie des musiciens et chanteurs présents sur le disque : P.r2b, Sarah Maison, Guillaume Marietta, Eddy Crampes…
Raconter l’histoire d’un monde qui s’engendre dans la violence. Entouré d’un bel équipage, Laurent Pérez aborde le lointain rivage des origines et prend le pari de dérouler le fil de la plus ancienne des trilogies antiques en une seule soirée… Agamemnon, Les Choéphores, Les Euménides : la malédiction de toute une famille sur plusieurs générations. Du cycle de l’horreur accompli jaillira la Folie. Cette violence, cette folie, ce sont aussi les nôtres.
Un matin alors qu’il doit se rendre à un examen de sociologie, un jeune homme renonce à se lever. De ce geste sans importance ou plutôt de cette « absence de geste » va découler un lent cheminement vers l’indifférence. Bruno Geslin invente une chambre imaginaire, et nous plonge dans une dérive mentale entre insomnie et rêves éveillés. Sous l’impulsion du violoncelle de Vincent Courtois et de magnifiques séquences vidéo, on suit ce jeune homme qui refuse de se plier au diktat du monde social et se détache progressivement du réel.
Avec son discours engagé et sa parole enflammée, Kery James a rempli Bercy et les Bouffes du Nord. Poète humaniste, rappeur, les mots sont pour lui les instruments d’un combat. Après plus de vingt ans de carrière, il remet en cause son outil, écrit un dialogue. Deux voix s’opposent dans une joute en phase directe avec le monde. Une agora passionnée pour un théâtre politique, radical.
Transportant les personnages d’Ibsen au sein d’une boîte à jouer obscure, Sébastien Bournac ne se contente pas de renvoyer dos à dos santé et impératifs économiques, exigence de vérité et manipulation.Il explore les champs plus équivoques de comportements auxquels peuvent mener la colère, l’orgueil et l’aveuglement.
Une comédie noire et acérée qui se nourrit de l’inventivité des acteurs pour mettre en mouvement notre regard, notre pensée, notre imaginaire.
Dépassant les nationalités, les genres et les divergences, Salia Sanou dialogue, en gestes et en paroles, avec deux femmes : la romancière franco-canadienne Nancy Huston, et la chorégraphe franco-sénégalaise Germaine Acogny, pionnière de la danse africaine contemporaine. Multiples sont ces dialogues, authentiques et engagés, multiples sont aussi les figures qui les portent.
Revoilà au Sorano le Raoul Collectif avec leur première création, véritable manifeste artistique et politique. Le point de départ : « Soyons frères parce que nous sommes perdus. » Cinq porteurs de lanternes et de questions se sont rassemblés dans une clairière pour agir ensemble. À la recherche de clarté sur des problématiques de notre société néolibérale, les Belges du Raoul se promènent au rythme d’une libre pensée. C’est foutraque, foisonnant et facétieux, déjanté en diable et carrément réjouissant.
Réparer les vivants est l’histoire d’une transplantation cardiaque. Comment le coeur de Simon Limbres, jeune homme de dixneuf ans, va rejoindre le corps d’une femme de cinquante ans en l’espace de vingt-quatre heures.
Emmanuel Noblet nous livre son adaptation théâtrale du roman, et le comédien réussit le pari délicat d’incarner, seul en scène, tous les personnages de l’histoire. Avec une élégante sobriété, il nous tient en haleine et parvient à nous émouvoir aux larmes tout autant qu’à nous faire sourire.
Un déjeuner de famille. Tout démarre pourtant bien. Un couple de sexagénaires nouvellement installé dans un petit village de l’Aveyron a invité leurs trois filles (et conjoints) qu’ils voient peu pour fêter l’anniversaire du père.
Mais il suffit d’une truite, celle que Suzanne, la cadette, convertie au régime lacto-pesco-végétarien, préfère à la blanquette de sa mère, pour que la fête vire au carnage.
Derrière le sempiternel rituel entrée-plat-dessert, l’écriture affutée de Baptiste Amann, à mi-chemin entre rire et gravité, croque toutes les complexités des dynamiques familiales.
Quoi de mieux qu’une clique de jeunes comédiens impétueux pour rendre hommage à l’énergie indomptée des Trois Mousquetaires qui – « Un pour tous ! Tous pour un ! » – préfèrent mourir sur place plutôt que de rendre l’épée. Et avec les sbires du cardinal de Richelieu, ils ont fort à faire…
Ici pas de cape ni d’épée, point de perruques ni de robe cardinalice ! Dans cette version, le jeune collectif multiplie joyeusement les anachronismes et brouille les esthétiques pour rendre compte de la foisonnante polyphonie du roman.
Quoi de mieux qu’une clique de jeunes comédiens impétueux pour rendre hommage à l’énergie indomptée des Trois Mousquetaires qui – « Un pour tous ! Tous pour un ! » – préfèrent mourir sur place plutôt que de rendre l’épée. Et avec les sbires du cardinal de Richelieu, ils ont fort à faire…
Ici pas de cape ni d’épée, point de perruques ni de robe cardinalice ! Dans cette version, le jeune collectif multiplie joyeusement les anachronismes et brouille les esthétiques pour rendre compte de la foisonnante polyphonie du roman.
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Ici pas de cape ni d’épée, point de perruques ni de robe cardinalice ! Dans cette version, le jeune collectif multiplie joyeusement les anachronismes et brouille les esthétiques pour rendre compte de la foisonnante polyphonie du roman.
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Ici pas de cape ni d’épée, point de perruques ni de robe cardinalice ! Dans cette version, le jeune collectif multiplie joyeusement les anachronismes et brouille les esthétiques pour rendre compte de la foisonnante polyphonie du roman.
Quoi de mieux qu’une clique de jeunes comédiens impétueux pour rendre hommage à l’énergie indomptée des Trois Mousquetaires qui – « Un pour tous ! Tous pour un ! » – préfèrent mourir sur place plutôt que de rendre l’épée. Et avec les sbires du cardinal de Richelieu, ils ont fort à faire…
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